Предмет нашего интереса - ювелирные украшения, материалы и технологии, распространенные во Франции и на территории готического влияния.

Золото

Золото добывалось в Европе, в Богемии, но в массе своей было привозным из арабского мира (Персия) и Африки. Точками входа были Венеция и другие итальянские порты, а также Испания, где основными посредниками выступали мавры.
Золото – достаточно твердый металл, что позволяло выполнять на нем тонкие рисунки, но также достаточно пластичный, что позволяло использовать его, например, в филиграни.
Актуален вопрос подлинности и чистоты. Мошенничество с использованием некондиционного золота, плакированных недрагоценных металлов (более дешевый материал покрывается тонкой пластиной драгоценного металла и спаивается), пустотелых элементов и поддельных камней были потенциальными проблемами для публики, покупающей ювелирные изделия, на протяжении всей истории. Александр Некхэм (1157–1217) сказал, что ювелир должен уметь «хорошо различать чистое золото от латуни и меди, чтобы не покупать латунь за чистое золото».
На Востоке анализ византийских ювелирных изделий показывает высокую чистоту около 91–92% (возможно, предполагалось, что это будет 22 карата), которая сохранялась, по крайней мере, до конца Х века. Кроме того, было обнаружено, что несколько золотых предметов с Х по XII век содержали около 80% золота – возможно, это связано с золотой монетой гиперперон такой чистоты, которая была введена в оборот в 1092 году и просуществовала почти до двенадцатого века.
Некоторые западноевропейские золотые изделия X-XII веков имеют цвет золота довольно высокой чистоты, и золото часто упоминается в современных документах как высокочистое. Например, предметы иногда описываются как сделанные из aurum purissimum. Можно также найти в западном средневековье и даже Ренессансе использование византийского греческого термина obrysus и его вариантов (например, obrizé) для описания чистого золота. Словарь Альфрика X века определяет obrizum aurum как «настоящее золото».
Снижение качества золота также было приемлемым. Например, «Mappae Clavicula» описывает сплав, подходящий для изготовления мужских фигурок, который состоял из 67% золота и 33% серебра. Для женских фигурок, по-видимому, лучше подходил сплав всего из 20% золота и 80% серебра. Даже более чистый из этих двух сплавов имеет достаточно высокое содержание серебра, чтобы его уже можно было назвать электрумом. Сохранились и иные рецепты электрума. В целом средневековые тексты четко различают золото, электрум и серебро, но одно упоминание о «чистейшем электруме» (electrum purissimum) может указывать на то, что не все хранители или составители записей имели глубокое понимание природы сплава.
В «Mappae Clavicula» также описывается красный сплав, содержащий около 57% золота, 29% серебра и 14% меди. Красное золото или сплав золота с медью довольно часто упоминается в средневековой европейской литературе, и несколько сохранившихся ранних средневековых украшений имеют отчетливо красноватый цвет. В двенадцатом веке Феофил описывает арабское золото как имеющее исключительный красный цвет и говорит, что рабочие имитировали его внешний вид, сплавляя пятую часть меди с бледным золотом. Феофил, по-видимому, не осознавал, что природный сплав содержит медь, и он отмечает, что присутствие меди было признаком подделки.
Возможно, красное арабское золото пошло от золотых монет крестоносцев, некоторые из которых содержат почти 15% меди. С другой стороны, использовались аравийские рудники на территории современной Сирии, Ливана, Израиля и Иордании, полиметаллические по своей сути. Там добывалось и золото, и медь. Аль-Хамдани показывает, что аравийские рудники эксплуатировались в десятом веке, а европейское подтверждение включает «Песнь о Роланде», где говорится: «десять мулов, нагруженных золотом, добытым на аравийских рудниках». Достоверно неизвестно, какая доля меди была в этих рудниках, обычно она составляет 1-5%.

Серебро

В Европу серебро шло из Саксонии, позднее присоединилась Богемия, но основным источником материала у ювелиров были иностранные монеты.
Серебро – более мягкий, чем золото, металл, поэтому тонкие техники в обращении с ним сложны. При этом золото и серебро хорошо сплавлялись друг с другом, в том числе путем наложения и градиента.
Серебро давало красивый блеск, но быстро окислялось и требовало регулярной полировки. Оттого в ювелирных украшениях золото было предпочтительнее.

Бронза

Бронза в ювелирных изделиях менее популярна в оригинальных изделиях, но из нее часто делали популярные копии колец, серег и брошей. Также бронза использовалась в витражах и в украшениях с эмалями.

Олово и Пьютер

Пьютер – сплав 10-15% свинца и 85-90% олова. Основным источником олова была Британия. Поэтому основным поставщиком изделий из олова и пьютера в Европе была Британия; распространялись они, видимо, именно оттуда. Также олово часто использовалось для покрытия железа и бронзы, и эти изделия часто воспринимали как серебряные.

Обработка металлов

Техники повторяют уже известные из Древнего Рима, Греции и Византии. Отличается дизайн изделий.
Однако одним из основных исключений является широкое распространение тянутой золотой проволоки примерно к девятому или десятому веку. Эта техника открыла новые возможности для декоративных методов филиграни, которые с успехом использовались средневековыми ювелирами.
Упоминания в средневековых документах о золотых дел мастерах встречаются довольно часто. Основным источником является трактат немецкого монаха Феофила, который составил всеобъемлющий отчет о процессах золотого дела в первой половине XII века н. э. Третья книга его «Трактата о различных искусствах» начинается с подробного описания, как построить мастерскую и оборудовать ее столами, сиденьями и горнами, а затем описываются отдельные инструменты и их использование. «Феофил» сейчас считается псевдонимом Роджера из Хельмарсхаузена, монаха-золотых дел мастера, который оставил образцы своей работы, такие как обложка книги, которая сейчас хранится в Домшатце (Трир).
Среди современников Феофила был Жан де Гарланд, живший около 1200 года, который кратко упоминает золотых дел мастеров. Он пишет, что «ремесло их состоит в том, чтобы бить маленькими молоточками по наковальне тонкие листы золота и серебра и вставлять драгоценные камни в оправы колец для баронов и дворянок».
Англичанин Александр Некхэм описывает необходимые инструменты ювелира XII века. К ним относятся: горн с верхней трубой; мехи, которые управлялись одной рукой равномерно и с легким нажимом; наковальня; щипцы для удержания металла во время ковки; молоток для придания формы золоту; очень острые зубила для металлов и еще одно зубило (возможно) для резки камней; пробирный камень для проверки металла; точильный камень для заточки железных инструментов; заячья лапка (pedem leporarium) для сглаживания, полировки и очистки золота; кожаная сумка вокруг талии для сбора крупинок металла, «чтобы они не пропали»; зубчатая пила (serram dentatum); и напильник для золота (limam aurifrigium). Интересно, что нет никаких упоминаний об оборудовании для волочения проволоки.
Пробирный камень – брусок, изготовленный из слабометаморфизованной тонкозернистой углистой, кремнистой горной породы. На его поверхности по цвету черты испытуемого благородного металла определяют его пробу.
Заячья лапка кажется маловероятным инструментом для полировки золота, но, возможно, она использовалась для чистки скамьи. Ранее в этом же веке Мэрион выступал за использование инструмента: «Скамью подметают несколько раз в день заячьей лапкой, которая образует удобную маленькую щеточку, к которой золото не прилипает».
Ювелиры сами изготавливали собственное оборудование. Постановление 1513 года гласит, что ювелиры не должны обрабатывать медь или латунь, кроме как для изготовления своих инструментов.

Специализация

Центры ювелирных мастерских – крупные города, где есть платежеспособные заказчики. Большие мастерские вряд ли могли существовать за пределами королевского покровительства или основных городских центров.
В шестнадцатом веке появляется больше свидетельств специализации. Специализация по техникам, по предметам (ювелирные украшения, посуда, декор и т.д.), по статусу. Волочильщики золотой проволоки упоминаются в 1512 году.
К началу четырнадцатого века в Париже появились некоторые различия между ювелирами, работающими серийно и индивидуально. Некоторые английские правовые акты различают ювелира, продающего купцу (с целью перепродажи), и продающего конечному покупателю. Это влияло на цену товара.

Ценообразование

Стоимость золотых украшений зависела от материалов и затрат на рабочую силу, и они обычно рассчитывались и перечислялись отдельно. Это старинная практика. Французские документы о средневековых ювелирах часто упоминают раздельно как стоимость материалов, так и la façon (работа).
Это может подразумевать, что мастерство и «мода» были разными статьями наценки, но все остальные факты указывают на то, что они учитывались совместно.
Средневековые французские правила предусматривали, что затраты на изготовление и материалы должны быть разделены в счетах и квитанциях. Стаббс указывает, что затраты на изготовление составляли около 50 процентов от стоимости материалов.

Сырье

Средневековый ювелир обычно получал сырье от заказчика или покупал на деньги заказчика; лишь изредка ювелиру удавалось накопить достаточно капитала, чтобы держать свой собственный запас. Среди источников сырья (золота) также была некондиция, испорченные или вышедшие из моды предметы, которые приносили для переделки. Средневековые тексты упоминают ювелиров, скупающих золотые украшения для перепродажи или переделки. В английском уставе 1327 года описываются ювелиры, «которые держат лавки на темных улицах и покупают сосуды из золота и серебра тайно, не выясняя, были ли эти предметы украдены или приобретены законным путем, и немедленно переплавляли их на тарелки и продали купцам, торгующим за морем».
Чеканная монета долгое время была основным источником золота для ювелиров. Это подтверждено документально для византийского периода и раннего средневековья, если не раньше. Даже в девятнадцатом веке в ежегодном отчете Королевского монетного двора Лондона отмечалось, что «работающие ювелиры имеют обыкновение использовать большие количества соверенов [британская золотая монета из 22-каратного золота] в их ремесле, из-за удобства, так они имеют возможность получить золото известного образца».
Пеголотти из великого флорентийского банкирского дома Барди выпустил торговый справочник, содержащий цены и сведения о торговле многих стран. Автор перечисляет не менее тридцати девяти различных золотых монет, которые мог встретить торговец четырнадцатого века. Он называет их чистоту в каратах, начиная от низкопробных монет Триполи весом всего 11 карат (45,8% золота) до монет высокого качества и чистоты, например, французские монеты в 23,75 карата. (Это, возможно, самый ранний зарегистрированный случай использования европейцами термина «карат» в отношении чистоты, а не веса.) Троянская унция делилась, как и византийский солидус до этого, на 24 карата, что было приравнено к чистому золоту; 18 карат содержит 75% золота и т. д. Стандарт карата золота не делает различий между возможными легирующими материалами (дополнительными в сплаве).
Другие монеты, перечисленные Пеголотти, включают сарацинские безанты в 15 карат и Bisanti vecchi d'oro d' Allessandrie в 23 карата. Недавние анализы действительно показали, что безанты исламские и крестоносцев имели широкий диапазон чистоты.
Неудивительно, что к тринадцатому веку некоторые власти в Западной Европе увидели необходимость контролировать качество золота, обработанного и проданного ювелирами. Исполнение таких правил могли лучше всего обеспечиваться через гильдии ювелиров.
Во Франции ордонанс от 1268 года гласит, что «ни один ювелир не может работать в Париже, если его штрих не парижский или лучше: этот штрих превосходит все золото из любой части известного мира». Автор употребляет слово «оттенок» или «штрих», что отсылает нас к пробирному камню, на котором мастера распознавали качество золота по цвету оставленной черты при проведении золотом по поверхности.
«Парижский штрих» на самом деле содержал всего 19,2 карата чистого золота, то есть 80%.
Вероятно, происхождение этого 80% стандарта связано с чеканкой гиперперонов аналогичной чистоты, а также с золотыми изделиями из средневекового Константинополя. Французские правила, как и английские, включают запрет на работу в ночное время (за исключением заказов для королевской семьи или епископа Парижа) и запрещают использование камней-имитаторов стекла и дублетов.
«Touch of Paris» также был минимальным стандартом для золотых ювелирных изделий и других изделий, разрешенным в английском статуте Эдуарда I 1300 года. Позднее в том же столетии постановления Эдуарда III в Англии и Иоанна II во Франции вновь подтверждают, что ни один ювелир не может обрабатывать «золото хуже, чем touche Paris».

Золотые изделия обычно изготавливались из чеканного листового золота и редко путем литья. Таким образом, чеканка всегда была одним из фирменных знаков ювелира и наиболее часто иллюстрируемым и описываемым навыком золотых дел мастера. Многочисленные инструменты, включая штампы и пуансоны, сохранились со времен викингов и более поздних эпох.
Наибольшие изменения в производстве листового золота произошли уже позднее, с изобретением прокатного стана, который прокатывает металл между двумя железными или стальными роликами. Изобретение приписывается Леонардо да Винчи, который предоставил эскиз механизма. Нет никаких доказательств применения прокатных станов до эпохи Возрождения.
Полые изделия из золота часто нуждаются в заполнении для обеспечения прочности и веса. Пригодность серы в части температуры плавления и текучести отмечена Бирингуччо. Сера обычно использовалась в позднеэллинистических, римских и ранневизантийских золотых украшениях, но похоже, не применялась в средневековой Европе, хотя, возможно, присутствует в некоторых средневековых исламских образцах. Смола или смолоподобные вещества также использовались в качестве наполнителя в ранних исламских ювелирных изделиях.
Начиная примерно с двенадцатого века, полые золотые украшения из листового золота часто запрещались западноевропейскими законами; поэтому полые изделия с заполнением встречались гораздо реже, чем в Византии или в более ранние времена.
Листовое золото обычно резали резцами, как в древности, небольшими ножницами или кусачками. Использование ножниц для золотых изделий в древности, как правило, ставится под сомнение. Тонкие режущие инструменты этого типа для металла стали широко использоваться в ходе раннего средневековья.
Мода на тонкую, почти кружевную ажурную работу позднеримского и ранневизантийского периодов не сохраняется долго в средневековье.
Феофил описывает тип ажурной работы с использованием долота и небольших напильников, который он называет opus interrasile.

Напильники использовались при изготовлении самих ювелирных инструментов, а также в некоторых операциях по формовке и подгонке, хотя, возможно, чаще для серебра, чем для золота. По своей природе напильники дают большой расход металла, и поэтому их следует избегать, когда это возможно, при работе с золотом.
Единственная пила, упомянутая Феофилом, – это железная пила, используемая для резки горного хрусталя с добавлением мокрого песка. В рукописи XII века «Mappae Clavicula» также упоминается медная пила, которую использовали вместе со слюдой и наждачным порошком для резки драгоценных камней.
В ранний средневековый период появилось волочение проволоки – новшество, которое оказало широкое влияние как на конструкцию, так и на дизайн ювелирных изделий. До этого периода золотая проволока обычно формировалась путем ковки – процесс, лучше подходящий для проволоки относительно большого диаметра, такой как крючки для сережек, – или путем скручивания узких золотых полосок с последующей прокаткой скрученных проволок для их уплотнения. Проволоки этого общего типа имеют характерные спиральные линии швов, так сказать, вдоль проволоки, количество и интервал между которыми во многом зависят от соотношения ширины к толщине исходной полосы.
Большинство проволок в золотых украшениях, изготовленных до раннего Средневековья, имеют характерные спиральные линии швов, возникающие из-за их скрученной конструкции.

При волочении проволоки пруток или металлическая полоса протягиваются через последовательно меньшие отверстия в железной или стальной волочильной доске; таким образом, они буквально вытягиваются в более длинные и тонкие. Простое ручное волочение с помощью прочных щипцов или клещей и волочильной доски, установленной на прочном куске дерева, редко бывает практичным для проволоки диаметром более 2 мм. Более сложные волочильные машины – называемые волочильными столами – обеспечивали больший рычаг приложения силы и прочность и позволяли изготавливать длинные отрезки проволоки в самых разных диаметрах.
Волочение золотой проволоки, вероятно, впервые появилось в западном мире примерно в VII или VIII веке н. э. Исследование филигранной работы викингов продемонстрировало общее внедрение волочения проволоки к девятому веку н. э.
Использование волоченой проволоки в корейских золотых серьгах V-VII вв. н. э. может указывать на то, что истоки волочения проволоки лежат на Востоке.
Со второй половины тринадцатого века детали железных и латунных волочильных машин встречаются в Париже. Упоминания о том, что можно назвать корпорацией производителей золотой проволоки, можно найти в документе, посвященном «Des Batteurs d'or et d'argent à filer».

Филигрань

Филигрань (от латинских слов filum – «нить» и granum – «зерно») – это ювелирная техника изготовления искусных ажурных изделий из очень тонкой металлической проволоки путём соединения отдельных элементов с помощью пайки. На Руси называлась «скань» (от скручивать). Известно со времен Древнего Египта.
Главным изменением в украшении золотой филигранью в течение средневекового периода стал переход от зернистой проволоки к витым проволочным канатам. Канат, в ювелирной терминологии, представляет собой тугое скручивание двух тонких проволок. С помощью волочения проволоки было легче тянуть тонкие проволоки и скручивать их в канаты, чем ковать или тянуть более толстую проволоку и превращать ее в зернистую проволоку. Канаты становились все более и более распространенными в течение средних веков, а в эпоху Возрождения почти полностью вытеснили зернистую и другую декоративную проволоку в золотых украшениях.
Альтернативный тип декоративной бисерной проволоки имеет канавку, проходящую вокруг проволоки, скорее как винтовая резьба. Этот тип проволоки производился путем прокатки круглой проволоки с одного края, удерживаемой под слегка косым углом. Этот процесс был идеален для тонкой проволоки, где было сложнее выделять настоящее «зерно». Этот тип проволоки, который можно назвать спирально-бисерной (спирально-зернистой) проволокой, встречается примерно с середины первого тысячелетия до н. э. и, за исключением очевидного перерыва в римский период, продолжается и в Средние века. Спирально-бисерная проволока характерна для ювелирных изделий викингов.

Использование полых проволок с зернением – по сути, трубок с бусинами – распространено в византийском золоте. Это еще один декоративный прием, который время от времени использовался и в средние века. Примерами служат знаменитая корона Конрада в Вене (вдоль нижнего края панелей), а также для петель и серебряное украшение викингов из Энггарды.
Проволока всегда давала широкое поле для вариаций ювелирной фантазии. Ее прокатывали поперек специальными палочками с желобками перпендикулярно. Так получали бусины с утончением в нужном месте. Ее скручивали, штамповали, делали ребристой и т.д. Например, брошь с филигранью и перегородчатыми эмалями из коллекции Таунли в Британском музее.
Волочение проволоки позволило делать все вышеперечисленное на проволоке любой толщины и любой длины. Брошь Таунли изготовлена из бисерной (зернистой) проволоки, которую затем расплющили. Такие техники широко распространены в XI-XII вв., позднее встречаются редко.

Цепи

До наших дней цепей как самостоятельных цельных украшений сохранилось мало. Они одни из наиболее хрупких и удобных для переделки деталей.
Самым распространенным типом цепей с начала времен было плетение «петля в петлю». Она состоит из отдельных цилиндров, соединенных перпендикулярно. Простые гладкие цепи, наиболее распространенные сейчас, применялись редко и в основном для декоративных целей.
С X века в Европе тип «петля в петлю» становится редким. Даже в сохранившихся образцах их оригинальность ставится под сомнение. К Ренессансу их суровая и грубая фактура приобретает символическое значение. В них «заковывают чудовищ» или «удерживали судно» в сюжете украшений. Также они распространены в среде крестьянских украшений. Этот тип возрождается в золотых изделиях неоклассического стиля с конца XVIII века и в историзмах XIX века.
С уходом в тень после X века тип «петля в петлю» уступает место витым цепям. Длина проволоки дает возможность подражать так называемому французскому или катушечному вязанию шерсти. Например, бич из клада из Трюхиддла в Британии, датированного IX в.
Феофил в своем трактате описывает изготовление цепи следующим образом:
«Если ты хочешь сделать цепи, то вытяни вначале тонкие и толстые проволочки из меди или серебра и сплети их шилом в кольца в три, четыре, пять и шесть рядов, толщиной, какой ты считаешь нужной, соразмерной с каждым, большим или маленьким, кадилом. Когда ты все цепи одного кадила сплетешь в одну, возьми тонкий кусок дубового или букового дерева, сделай в нем предварительно нагретым круглым и очень тонким железным инструментом много отверстий, протяни через них положенные в огонь и затем охлажденные цепи, положи их снова в огонь, снова протяни через другое отверстие, нагрей и продолжай так до тех пор, пока они не станут везде равными и круглыми. Разрежь затем эту цепь на куски, по размерам соответствующие кадилу, средний кусок короче, остальные – длиннее. Когда ты сделал на обоих концах цепей отверстия, укрепи более длинные куски цепи на нижней части кадила прочными, проходящими насквозь штифтами (гвоздями). После того как ты расположил их в верхней части, насади маленькие колечки, с помощью которых ты прикрепишь цепи, внизу на лилии чашечки; за нее (лилию) со вложенным в нее сверху большим кольцом следует держать кадило. Среднюю цепь, более короткую, укрепи гвоздем на верхней части кадила в одной из голов, а с другой стороны с помощью кольца укрепи ее под лилией чашечки. И таким образом позаботься о том, чтобы кадило одинаково было уравновешено со всех сторон.»

Пресвитер Теофил «О разных искусствах». Кн. 3 гл. 61.

Припой

Припой – сплав металлов, используемый для соединения металлических деталей. Согласно «Mappae Clavicula» припой бывает двух- и трёхкомпонентным (золото, серебро, медь). Формула зависела от цвета и температуры плавления обрабатываемого сплава, а также от фактических или теоретических преимуществ определенных комбинаций сплавов.
Например, припои с солями меди предполагались для работы с тонкими, зернистыми деталями. И сейчас медно-фосфорные припои позволяют снизить температуру плавления меди, обеспечить текучесть и смачиваемость. Дискуссия по данным компонентам идет со времен Плиния его описаний хризоколлы (буквально «золотой припой») (не стоит огульно приписывать эти размышления Плиния минералу, но и исключать минерал класса силикатов, водный силикат меди, нельзя).
«Mappae Clavicula» и Феофил описывают припой с оксидами меди. Его смешивали с мылом на оливковом масле или с квасцами. Verdigris mixture - малахитовую смесь (зеленая форма меди) использовали некоторые итальянцы; Челлини даже писал, что так детали спаивались вовсе без припоя.
Все рецепты припоя пока не исследованы, но описывается и ртутно-золотой припой, и серебряно-ртутный. Часто в качестве припоя использовались стружки или остатки проволоки основного материала, если то позволял дизайн изделия.

Литье

Достоверно литье применялось в двух случаях: изготовление слитков и заготовок для сосудов или других бытовых предметов; литье свинцовых украшений (массовых).
Описывается литье свинцовых моделей, которые затем воссоздавались в драгоценных металлах; литье печатей; литье отдельных элементов, таких как декоративные ручки и крепления.
Вероятно, литье использовалось для изготовления массивных перстней, но подтверждений этому пока нет. Исследования продолжаются.

Гравировка

Гравировка применялась всю историю ювелирного дела, как только появились подходящие инструменты и технологии. В средние века инструменты были доведены до уровня, практически современного. Феофил описывает изготовление гравировальных инструментов с острыми, косыми и режущими кромками.
Английский статут 1300 г. указывает на расточительность этой технологии и предписывает возвращать заказчику все металлы по первоначальному весу, как только возможно.
Гравировка была декоративной и технической. Декоративная создает затейливые узоры, а техническая делается для разметки под дальнейший декор.
Надписи, выгравированные на некоторых изделиях, не представляется возможным прочитать; вероятно, это связано с тем, что мастер либо создал слишком замысловатый ребус, либо был не слишком грамотным. Есть даже упоминания о подмастерьях, способных воспроизвести все виды букв (шрифтов и языков), но не способных ни читать, ни писать.
Помимо резаных линий и насечек использовался пуантилизм – нанесение узоров точками.

Эмаль и чернение

Эмаль – это ювелирная техника. Цветная стеклянная паста наносится на металл, образуя гладкое покрытие.
В средние века преимущественно применяются следующие техники:
Выемчатая эмаль. На поверхности металлической пластины делают выемки, которые заполняют стеклянной пастой. Удобнее использовать, когда металлическая поверхность используется как фон для изображения. Например, Армиллы (часть доспеха) Андрея Боголюбского. Золото, эмаль. мастер Николас де Вардан, Рейн. 1170-1180 гг. Предположительно, подарок Фридриха Барбароссы. Лувр.

Перегородчатая эмаль (Cloisonné). Рисунок обозначается напаянной проволокой на металлическую пластину. Пространство между границами заполняется стеклянной пастой.
Филигрань для перегородчатых эмалей применялась еще с эпохи эллинизма, но в Средние века почти не применялась. Она вернется в эпоху Возрождения.
С XIV века появляются новые техники эмали. Сам цвет, то есть сама эмаль начинает становиться ценной. Растет значимость параметров «дизайн» и «мода» в изделии, потеснив немного золото и камни в структуре стоимости изделия. Например, Брошь с филигранью и перегородчатыми эмалями из коллекции Таунли в Британском музее. XI в.

Техника en ronde bosse. Изделие покрывается эмалью, закрывая драгоценную основу.
Основным художественным центром эмалей с XII века являлся французский Лимож. Сейчас лиможские эмали – почти имя нарицательное. Например, Святая Екатерина Александрийская. нач. XV в. Франция. Дерево, золото, эмаль, драгоценные камни, жемчуг. Музей Метрополитен.

Около 1400 года, под влиянием мастеров витражного дела, появляется техника Plique-à-jour.
Plique-à-jour. Похожа на перегородчатые эмали, но без подложки. Чешуйки стекла соединяются металлическими перегородками на манер витража, и свет проникает сквозь изделие. Например, Кубок Мероде. Золото, эмаль. Бургундия, ок. 1400 г.
Рецепт стеклянной пасты разный, поскольку серебро и золото имеют разные проблемы адгезии и разные коэффициенты расширения под воздействием температур. Для поддержания гильдейских стандартов в начале XIV века в Париже эмальеры договорились использовать в работе только серебро и золото высокой пробы и не использовать свинцовое стекло для эмали, поскольку оно хорошо подходит для низкопробного серебра.

Чернь – это черный сульфид серебра или смешанный сульфид серебра и свинца. Добавление свинца делает смесь более текучей и улучшает сцепление с основой. Рецепт распространяется с X века.
Этот материал вплавлялся в узор, выгравированный на металлической поверхности, и полировался. Иногда чернь наносили рисунком непосредственно на пластину.

В готическую эпоху технологии огранки были ещё довольно примитивными по сравнению с современными стандартами. Камни чаще всего обрабатывались в форме кабошонов – округлых или овальных форм с гладкой полированной поверхностью. Такая огранка подчеркивала глубину цвета и природную красоту камня, но не создавала сильной игры света, как это делают современные методы огранки.
Несмотря на политику «сдержанности», активно проповедуемую Людовиком Святым в середине XIII в., и ордонансы, определяющие классовые и сословные привилегии в отношении ювелирных украшений (чем объясняют достаточно сдержанные дизайны светских ювелирных изделий, если сравнивать с Византией, Италией или Востоком), в конце XIII века в моду входят камни квадратной формы.
Набор камней для ювелирного украшения чаще всего был продиктован не только эстетическими предпочтениями. Камни подбирали согласно их статусу и свойству, описанному в специальных трактатах - лапидариях.
Само название «Лапидарий» пошло от названия поэмы Марбодия, епископа Реннского, переведенной в XII веке на старофранцузский язык. Подобные трактаты признавались и одобрялись церковью. Украшение, составленное по логике трактатов, представляло собой нечто среднее между оберегом и лекарством в камне.

Алмазы

Огранка алмазов в Европе начала развиваться в позднее Средневековье, в XIV-XV веках. Первыми центрами были Брюгге (Фландрия, современная Бельгия) и Париж (Франция). Есть исследования, полагающие, что первыми огранщиками в Париже были немецкие ювелиры. Позже, в XV веке, лидерство перешло к Антверпену, который стал одним из главных центров огранки алмазов в Европе.
До XIV века алмазы ценились в основном в их естественной форме, так как их твердость делала обработку крайне сложной. Однако с развитием технологий и инструментов ювелиры начали экспериментировать с огранкой. Первые методы обработки алмазов были заимствованы у индийских мастеров, которые уже давно умели шлифовать и полировать алмазы с помощью других алмазов. В исламском мире камни гранили с XI-XII вв. Ал-Бируни (973-ок. 1050 гг.) написал трактат «Собрание знаний о драгоценных камнях» между 1041 и 1049 гг., где указывалось, что персы знают как резать и гранить алмазы. Индия гранила алмазы с VI в. У нас нет информации о гранении камней в Византии; вероятно, их привозили туда из исламского мира.
Брюгге стал первым европейским городом, где начали обрабатывать алмазы благодаря своему расположению на торговых путях. Город был важным центром торговли, и через него в Европу поступали алмазы из Индии.
Лодевик ван Беркем (Lodewijk van Bercken), фламандский ювелир XV века, считается одним из первых мастеров, который усовершенствовал методы огранки алмазов. Он изобрёл скрипучее колесо (scaif) – инструмент для полировки алмазов, который значительно улучшил качество обработки.

Технологии огранки в Средневековье

Шлифовка и полировка: Алмазы обрабатывались с помощью алмазного напыления, которое наносилось на железные или бронзовые диски. Это позволяло шлифовать поверхность камня. Для полировки использовались вращающиеся диски, покрытые алмазным напылением.
Огранка "Точечная" (Point Cut): Самой ранней формой огранки алмазов была точечная огранка. Она заключалась в том, что камень шлифовали до формы октаэдра (восьмигранника), сохраняя его естественные грани. Это подчеркивало природную форму алмаза.
Огранка "Столовая" (Table Cut): В XV веке появилась столовая огранка. Верхняя часть алмаза срезалась, создавая плоскую поверхность (столешницу), а нижняя часть хранилась в форме пирамиды. Это позволяло свету лучше проникать внутрь камня, хотя игра света всё ещё была ограниченной по сравнению с современными методами.
Огранка "Роза" (Rose Cut): В XVI веке появилась огранка роза, которая стала популярной в эпоху Возрождения. Камни шлифовались в форме купола с треугольными гранями, что создавало эффект "лепестков".

Рубины

Были более широко распространены в Европе, чем алмазы. С ними умели и любили работать. Гранили в форме кабошон, оставляя одну сторону выпуклой, другую плоской для удобства крепления. Это позволяло максимально сохранить размер камня. Камни завозили из Индии, Шри-Ланки (Цейлон) и Бирмы.
Часто встречалось название balas rubies или baleys (рубины балас) – это красная шпинель, привозимая из Афганистана с месторождений, где также добывали рубины. Часть британских исследователей выдвигают версию, что на Востоке разницы между рубинами и шпинелью не понимали. Весьма сомнительные выводы в отношении культур, где с драгоценными камнями взаимодействовали существенно дольше, чем в Европе.
К 1341 году огранка рубинов и изумрудов – обычное дело в Париже. Это становится понятным из заказов правящих домов, где количество ограненных камней превышало сотню за один контракт, в отличие от более ранних единичных описаний.
До 1332-1345 гг. граненые камни красной шпинели привозились в Европу из Константинополя. Флорентийский купец Франческо Балдуччи Пеголотти в своем «Pratica della Mercatura» описывал покупку круглой шпинели на рынке Константинополя и Перы, дает рекомендации о ценах на граненые рубины, шпинель и сапфиры.
В 1424 году правитель Луки, Паоло Гуиниги заплатил 2000 новеньких золотых флоринов за граненую шпинель в 72 карата арабского происхождения.

Сапфиры

Сапфиры привозили из Шри-Ланки. И считалось, что они способны оберегать владельца от болезни, помогали сохранять ясность ума, а иногда и спасти от тюрьмы. Церковь не противилась подобным суевериям; они считались естественным порядком вещей. Более того, сапфиры считались подходящими камнями для церкви, поэтому их много в церковной утвари и в культовых принадлежностях.
В Англии сохранилось несколько материалов судебных разбирательств, связанных со свойствами сапфиров. Так, в 1219 году судили женщину, которая присвоила себе три кольца, одно из которых было с сапфиром. Она надеялась, что камень поможет ей справиться с болезнью. В 1221 году расследовалась пропажа мальчика, который носил на шее кольцо с сапфиром. Предполагалось, что это поможет вылечить его больной глаз. Соразмерно времени, тяжба велась не по поводу убийства или пропажи мальчика, а по поводу раздела его имущества.

Гранаты и аметисты

Гранаты и аметисты начали гранить еще в XII веке. Пожалуй, они встречаются именно со срезанной гладкой поверхностью table cut чаще, чем любые другие камни. Гранаты добывались в Богемии.

Жемчуг

Строго говоря, жемчуг не является камнем, это органика. С учетом его структуры и мифологии его не гранили, но просверливали насквозь, чтобы закрепить на украшении или одежде.
Жемчуг прямо ассоциировали с сущностью Христа, а Деву Марию – с раковиной; поэтому украшения с жемчугом считались подходящими для дам. Иногда из носительниц нормативно исключали проституток, полагая, что им не только не пристало обозначать свою финансовую успешность, но и ассоциироваться с религиозной атрибутикой. По крайней мере, до тех пор пока они не уподобились Марии Магдалине и не оставили карьеру в пользу служения мужу или церкви.
Лучший жемчуг привозили с Востока с берегов Персидского залива и Красного моря. К нему присоединялись и кораллы, но с ними хорошо умели обращаться в Испании; на севере Европы они редкие гости.
Жемчуг добывали и в Европе, в частности, в Англии, но он был мелким и не сильно ценился.

Жабьи камни

Камни назывались таким причудливым образом, поскольку считалось, что они могут быть найдены в голове жабы. На самом деле это окаменелости древних рыб. Никакого возвышенного применения им не нашлось, поэтому использовали их как защитные амулеты. Несколько образцов колец 1400-1500 гг. с жабьими камнями хранится в музее Виктории и Альберта в Лондоне. Их часто сопровождает гравировка с надписью «Agios o deios a atanatos» - вариация греческой фразы «Бог свят и бессмертен».

Глиптика

Искусство резьбы по камню. От греческого «глипто» - резать. Резные камни называются геммы, а изделия с выпуклым рельефом - камеи, с углублённым рельефом - инталии.
Искусство глиптики известно с IV-III вв. до н.э. Различные амулеты, печати, украшения и т.д., исполненные из камня, обладают прекрасной сохранностью. После похода Александра Македонского мастера познакомились с алмазными пилами и работой с алмазной пылью, что существенно расширило возможности глиптики.
Технически, инталии несколько проще камей, к ним требований меньше. Высочайшим искусством обработки камей становится использование природной слоистой текстуры материала, а именно сардоникса, в композиции и колористике художественного изделия. Мастер вслепую раскрывал слой за слоем, не зная, что именно ждет его внутри.
В средние века в Европе глиптика находилась, с одной стороны, в упадке, поскольку технологии на местах были практически утрачены, а если и сохранились, то были технически малодоступны для европейских мастеров. С другой стороны, осталось много образцов с прошлых времен, что приводит к тому, что изображения Диониса, Венеры и других богов активно использовались в церковных украшениях, в амулетах и т.д. Смысл изображенного был утрачен, но красота осталась. В системе мышления готического периода «затейливость» и «диковинность» добавляют ценности.
В Европе средних веков глиптика получила два толчка развития. При Каролингском возрождении, где в моде был резной горный хрусталь, и после 1204 года (Четвертого Крестового похода и разграбления Константинополя), когда во Францию привезли новые образцы из Византии, где глиптикой украшали оклады книг, использовали в украшениях и печатях, и с Востока, где большой популярностью пользовались надписи на камне (украшения, амулеты, печати и т.д.).

Трессуары, налобные пояса и другие налобные украшения

Уменьшенные варианты венца и короны, которые женщины в XIV-XV вв. носили вместе со сложными головными уборами. Они не охватывали голову целиком, но крепились на лбу.
Изначально, налобные украшения представляли собой ленты, богато украшенные вышивками и драгоценными камнями, жемчугом. Подобные украшения носили и мужчины. Расшитые ленты сохраняли свою актуальность до конца Средневековья.
В 1387 году французская королева Изабо купила двенадцать налобников из черного шелка у торговки шелком Жанны де Жильберт. В 1338 году Эдуард III Английский владел одним шелковым налобником, украшенным вышитыми замками, всадниками на лошадях и жемчугом, и еще одним, расшитым драгоценными камнями и жемчугом, изготовленном во Франции.
Налобники считались достаточно роскошным украшением, чтобы включать их в приданое или дарить королевам.
Могли быть цельными или составными. В 1407-1408 гг. Мария Арагонская владела золотым украшением, состоящим из восьми пластин со шпинелью и девяти с жемчужинами.
На налобные ленты и обручи могли крепиться подвески и другие вставки, например, в форме полумесяца. Образ сейчас распространен в мультфильмах и сказках.

Серьги

Столь популярные в классицизме, в средние века серьги имели региональные особенности. Широко распространенные и любимые на Востоке и в Византии, роскошные, богато украшенные цепочками, жемчугом, камнями и т.д., они были не самым популярным предметом туалета дам на Севере. Их дизайн значительно скромнее.
Серьги носили в ушах, продевали в ленты или крепили за ушами.
Но вы не найдете их в книжных миниатюрах того времени; вы вообще практически никогда не увидите там изображения ушей.
На сей счет есть несколько версий. От эстетических: уши не считали столь уж прекрасной частью тела, достойной изображения. Уши изображались лишь там, где этого требовал сюжет. До эзотерических: уши как орган слуха тесно связаны с мистикой звуков. Звуки могли избавить от зла, как церковное пение, звон колоколов, на которые часто наносили имена святых, уподобляя звук молитве. А могли и стать путем распространения зла, что требовало предпринять меры и защитить слабый женский организм от негативного воздействия. Поэтому уши прикрывались лентами, волосами или головными уборами. Любые версии имеют место быть, но до настоящего времени не подтверждены достоверно.
Часто непопулярность серег у женщин Севера Европы объясняют церковным запретом на внесение изменений в свою внешность. Что не объясняет непопулярность сережек, которые крепились на подвесах головных уборов или накидывались на уши, без необходимости их прокалывать. Кроме того, подобные религиозные ограничения совершенно достоверно не были повсеместны.
Например, фигуры «дев разумных» из скульптурной группы Магдебургского собора ок. 1250 г. Они оттого и разумные, что, выражая радость браку, богато украсили себя украшениями, в том числе и серьгами.
Германцы времен Великого переселения народов не любили серьги, хоть и были с ними знакомы. Также серьги не носили женщины викингов. Сохранившиеся образцы серег из немецких и французских музеев происходят либо из Юга Европы, либо из восточнонемецких земель, где были тесные контакты со славянами.
Пара золотых серег упоминается во французской королевской бухгалтерии 1352 г. Но намного чаще серьги упоминаются на территории Италии и Испании. Круглые кольца с жемчугом, золотые и серебряные, в форме роз с драгоценными камнями, лунницы и даже гвоздики и крючки. Они даже делятся на парадные и для повседневной носки. Для незамужних девушек Испании мыслитель Клонард рекомендовал серьги-сетки с жемчугом, чтобы подчеркнуть их привлекательность, но среди замужних дам они встречались чаще. В 1432 году бургундский путешественник Бертрандон де ла Брокер (Bertrandon de la Brocquière) упоминает, что в Константинополе рубины в серьгах используются чаще, чем в других украшениях.
Серьги могли быть достаточно легкими, декорированные чеканкой или зернью, что позволяло носить их традиционным для нас образом. Тяжелые серьги с камнями или многоярусные могли закрепить на налобных повязках или волосах, а также снабдить дополнительными подвесами, крепящимися на уши из ткани, кожи или металла.
Популярность серег на территории всей Европы возрастает к XV веку в связи с изменением моды в одежде. Серьги не являются исключительно женскими аксессуарами; их носят и мужчины. Что не стало новацией. В ранних средневековых захоронениях на территории Германии находят серьги у состоятельных мужчин, но как их носили представители сильного пола до позднего средневековья, когда живопись даст нам достаточно точные изображения, мы не знаем.

Браслеты

Также как и серьги, для начала готики – не самое распространенное украшение Севера Европы. Среди сохранившихся образцов большинство привозные с Востока или из Восточной Европы, где также было сильное влияние Византии и славян.
Например, серебряный чеканный браслет XII-XIII вв. из Болгарии. В котором мы явно прослеживаем византийскую традицию объединять религиозную символику со светскими украшениями и амуницией.
Отдельный интерес представляет хранящийся в музее Виктории и Альберта детский браслет из стекла XII-XIII вв. Аналогичный браслет, но из витого стекла, всего 11 см в обхвате, был обнаружен в ходе археологических раскопок в Москве.

Популярность браслеты начинают набирать к XV веку. Благодаря дотошности бюрократии, до нас дошли записи о покупке Филиппом Бургундским у Германа Русселя в Париже в 1393 году двух браслетов с рубинами, жемчужинами, маленькой цепочкой и застежкой. Клерк даже не знал, как описать подобное украшение, поскольку слова «браслет» он не знал, и записал «подвязки для рук». Его сын Иоанн в 1395 году владел серебряной «повязкой» с цепочкой для ношения на руке или ноге.
Данное описание приводит исследователей к мысли, что браслеты того времени в массе своей представляли собой камни, жемчуг и ювелирные формы из металлов, нашитые на ткань или кожу. Однако, браслет Филиппа Бургундского в 1391 году имел в основе ювелирную цепочку.
В 1401 году два браслета из золота, принадлежащие Жану де Неверу, прямо названы «bracelets d'or». Один из них Жан оставил себе, а второй подарил Ренье Поту в знак дружбы. Со времен Древнего Рима браслеты передавались в дар воинам в качестве поощрений. В средние века мужчины носили на рукавах повязки с символами своего статуса, приверженности вассальной клятве господину, парные браслеты, один из которых можно было передать кому-либо.
Для женщин браслет – украшение, амулет и способ показать свое расположение, передав один из парных браслетов адресату.
20 марта 1394 года Ганс Круа, ювелир Людовика герцога Орлеанского, принял на переделку золотой браслет, предположительно, один из двух, приобретенных ранее, в 1392 году. Браслет был декорирован эмалью «rouge cler» и шестью геральдическими цветами герцога. Надо было огранить алмазы и обновить форму.
В 1443 году в статуте гильдии ювелиров французского Дижона браслет упоминается в череде украшений, которые продаются гильдией в городе. Подобные данные в уставе гильдии означают, что украшение плотно вошло в обиход городских жителей.
В истории браслета интересна не столько их декоративная составляющая, поскольку так или иначе она даст отсылку к амуниции, ожерельям или поясам, которые мы посмотрим далее, сколько их форма. На представленном изображении они жесткие, в форме обручей. По письменным источникам мы знаем о тканевой или кожаной основе, а также о цепочках.
Интересно посмотреть и на застежки на гибких браслетах. Стандартная застежка петля-крючок не подойдут, браслет подвижен. Могли быть ленты, которые соединяли две петли на концах браслета. Могли быть пряжки, как на ремне на изображении выше. Встречаются и замки, известные еще со времен древнего Египта: совмещение двух пластин с пазами, сквозь который продевается штырек. Подобные пластины сами становятся декоративным элементом.

Броши

Одни из самых распространенных и универсальных украшений в средние века. Если брошь не только декоративная, но и функциональная, ее называют фибула. Их носили для скрепления краев одежды, как самостоятельные украшения, как часть церемониальной одежды или обозначения статуса. Их можно прикрепить к одежде, ленте на голове, поясу или подвесить на ленты как кулон. Из-за своей функциональности броши пользовались популярностью во всех слоях общества. Отличался декор, материал, конструкция или размер.
Броши знати иногда достигали колоссальных объемов, до такой степени, что на современный вкус мы сочли бы их кичем или глупостью. Ведь средний размер статусного изделия был равен человеческой ладони. Особенно популярны они были в XIII веке, когда подобным способом подчеркнуть свой статус пользовались и дамы, и кавалеры.
Пример таких массивных брошей мы видим на надгробии Рудольфа I Габсбурга, первого представителя прославленной династии на престоле Священной Римской империи, основателя австрийского дома Габсбургов. Надгробие изготовлено ок. 1285 года. На массивных брошах изображен герб Священной Римской империи и геральдические львы Габсбургов на плечах.
В документах средних веков встречаются различные слова, означающие брошь; это различие не предполагает какой-либо разницы в форме, декоре или функционале. Просто разные слова для одного понятия. Хотя во Франции слово fermail, скорее всего, означало именно застежку, а affique или affiquet – декоративную брошь. К XIII веку разница между терминами, если она вообще была, теряется полностью.
Примерно с 1250 года в моду входят броши в готическом стиле. Они украшались растительными элементами (листьями винограда, например).
По типам фибулы, распространенные в готическом мире, делят на:
•          Римские кольцевые - цельное кольцо, а игла заходит в специальный желобок (иглодержатель) на обороте изделия, или игла прокалывал складку ткани, и брошь держалась на месте под весом и распором самой ткани.
•          Скандинавские - разомкнутый круг, а петля иглы позволяет повернуть саму брошь после продевания иглы сквозь ткань.
Имели место и иные типы фибул: венгерские, напоминающие современную булавку, с пружинным механизмом; Т-образные фибулы и т.д. Но названные выше все же наиболее интересны с точки зрения ювелирного искусства.

Двухколечными брошами скрепляли полы плащей. Детская или женская двухколечная брошь для одежды из музея Виктории и Альберта (золото, сапфиры, стекло, чернение, ок. 1200-1300 гг., Англия). Пример, как носили эти броши, мы можем увидеть на скульптуре Шартрского собора во Франции (XIII век).
С XIII века в обращение входит аграф. Более привычная нам застежка для одежды из двух частей с петлей и крючком, которая со временем полностью вытеснит двухколечные броши.
Как и любое украшение, брошь создавалась и носилась как амулет, поэтому их часто оформляли гравировками, штамповкой или чернением с фразами из священных текстов, девизами. Набор камней также обусловлен не только их красотой, но и приписываемым набором полезных свойств, будь то защита от ядов, болезней или дурного глаза.
Французский поэт XIII века Робер де Блуа в своем небольшом сочинении «Le Chastiement des dames» («Благочестие дам») писал примерно следующее:
«Озаботьтесь тем, кому вы позволяете трогать свою грудь, оставьте это лишь тем, кто имеет на то право; знайте, что тот кто изобрел брошь, сделал это именно по причине, чтоб ни один мужчина не мог класть свою руку на женскую грудь, если у него нет такого права и она не жена ему».

Символическое значение брошей заключалось не только в подчеркнутом благочестии дамы. Фигурные броши (знаки) пилигримов обозначали общность людей, совершивших или совершающих паломнический путь.
Наиболее популярные паломнические маршруты: Via Francigena - Дорога Франков - на север в Кентербери и движение по тому же маршруту на юг - Via Romea - Дорога римлян; самый популярный европейский маршрут - путь Св. Иакова и самый долгий - Иерусалим. Места, которые надлежало посетить, где совершить молитву и т.д., регламентировались своеобразными путеводителями того времени - итинерариями.
Знаки пилигримов делали из недорогих материалов (олово, свинец и т.д.), достаточно грубо и массово. В 1199 году Папа Римский Иннокентий III дал разрешение отливать и продавать в Ватикане «свинцовые и оловянные знаки с изображением апостолов Петра и Павла, предназначенные для усиления чувств посетителей и в доказательство совершения ими путешествия». Эти знаки носили на одежде, оставляли их оттиски при литье колоколов, вшивали в книги и т.д.
Из-за дешевизны и хрупкости материалов до нас дошла лишь малая часть таких брошей, но именно они стали родоначальниками брошей небесных патронов и сложных фигурных композиций, распространенных с XVI века в эпоху Ренессанса.

Особняком стоят броши, входящие в категорию регалий, например, брошь в форме геральдической лилии Жанны д'Эрве. Она не сохранилась как брошь, но мы можем ее себе представить по скульптуре Богоматери с младенцем, которую Жанна д'Эрве подарила аббатству Сен-Дени в 1339 году. Ювелирное изделие в форме геральдической лилии. Сама лилия съемная, она вставляется в полую трубку в руке Богоматери. Лилия выполнена из золота, жемчуга, граната, эмалей. Два усика раньше поддерживали рубины, сейчас заменены синими стеклами. Лепестки лилии – реликварии; раньше их покрывали полые цельные кристаллы горного хрусталя, в которых хранились молоко, частицы одежды и волосы Богородицы. Ячейки подписаны с оборотной стороны, покрытой зеленой эмалью. Изготовлена лилия в период между 1324 и 1339 гг.

В свете изменяющейся моды, законодательных новаций, определяющих сословные и профессиональные привилегии в отношении драгоценностей, технического прогресса и конкурентной борьбы не только внутри гильдии, но и между отдельными мастерами, изменяется и усложняется дизайн украшений. Стремясь показать себя и удовлетворить клиента, мастера шли на ухищрения, например, подкладывали фольгу или иную подложку под камни, чтобы усилить их блеск или изменить цвет.
Совершенствование техники эмали позволяло придать украшению цвет даже без камней и создать украшение, которое позволено носить и состоятельной горожанке.
Сохранившиеся образцы дают нам некое представление эволюции брошей от больших статусных украшений и бытовых фибул до сложных фигурных образцов ко второй половине XV века. Готика любит цвет, поэтому его эстетическая ценность, выраженная в камнях и эмалях, высока. На ранних этапах и во времена высокой готики также велико символическое значение камней.

Кольца

Готические кольца, с одной стороны, часто выпадают из поля интересов исследователей, поскольку их дизайн и форма не слишком быстро меняются. С другой стороны, это уникальный материал, поскольку кольца в достаточных количествах сохраняются в кладах готических времен. Это дает нам возможность оценить: что носили люди в конкретном месте, в конкретное время, являясь представителями конкретной социо-этнической группы.
Речь идет о чумных кладах. XIV век в истории Европы ассоциируется не только с Проторенессансом, но и с началом эпидемии «Черной смерти», не покидавшей континент до XV века. Столкнувшись с непознанным и непреодолимым, люди начали искать виноватых. Таковыми были назначены евреи. Это привело к широким еврейским погромам во всех крупных городах Европы. Стараясь спасти свои ценности и в надежде вернуться, евреи закапывали свои ценности. Один из таких кладов был найден в 1863 году в стене дома средневековой улицы Жюиф в Кольмаре (Франция, провинция Эльзас). Клад датировали серединой XIV века, а национальность, а точнее вероисповедание, было установлено по традиционному иудейскому брачному кольцу, которое вместо камня венчает маленькая модель здания и сопровождается надписью на иврите «Мазаел Тов».

Помимо еврейского свадебного кольца, примечательно кольцо типа «mani in fede» - от итал. «руки в верности». Обруч кольца выполнен в форме соединенных рук. Тип известен еще со II-III вв. н.э. как символ любви или дружбы. Иногда руки могут держать сердце. На внутренней стороне часто гравировались надписи: «Amor Vincit Omnia» («Любовь побеждает всё»), «Fede» («Верность»). Особенно популярны в Италии, Англии и Германии.
В кольцах с декоративными вставками огранка преимущественно «кабошон». Но встречаются и другие формы огранки по мере развития технологии. Например, предположительно епископское кольцо Уильяма Уайтсли, посвященного в сан епископа в 1362 году. С 1368 года - епископ Кентерберийский. Специальные «папские» кольца и посохи вручались епископам как символ духовной и светской власти. Это также служило символом их «брака с церковью». Начиная с 10-го века, во время церемонии посвящения в сан епископа использовались слова: «Прими кольцо, знак веры, чтобы, украшенный чистой верой, ты мог сохранить без вреда свою невесту, а именно святую церковь Божью».
В данном кольце примечательна не только огранка сапфира «table cut», но и способ закрепки камня на крапаны (ножки, зажимающие камень). Чаще встречается ободковая закрепка, где камень плотно зажат металлической лентой по всему периметру.
Также распространены кольца с гравировками, чернением, перстни-печатки, с декоративными вставками глиптикой и т.д. Массивные и скромные обручи. Эволюция в дальнейшем затронет симметрию в подборе камней, усложнение композиции и технологию закрепки и огранки камней.

Инсигнии

Инсигнии - предметы, символизирующие королевскую власть. Употребимо также понятие регалии, но оно более широкое и включает в себя помимо инсигний королевские права и привилегии (например, право судить и чеканить монету), а также ритуальные атрибуты (трон, церемониальная одежда и т.д.).
Инсигнии передавались королю и королеве во время коронации. Хотя термин «коронация» более современный, корона лишь символ. Очень важный, заметный и самый интересный для нашего исследования, но символ. Сама же церемония призвана показать божественную сущность королевской власти - le sacre royal. Таинство, наравне с крещением и венчанием, благодаря которому происходит переход человека в посредника между Богом и людьми. Процедура регламентировалась специальными сборниками записей литургии, сопровождающей церемонию - ordines ad consecrandum et coronandum regem. Записи активно велись с конца VIII - первой половины IX вв. и были очень схожи в большинстве регионов Западной Европы. Поиски исходного варианта существенно осложняются утратой оригинальных манускриптов.
Ordo разрабатывались для королей и королев иногда совместно, иногда отдельно. Архиепископ Реймса Хинкмар, занимавший свой пост с 845 по 882 гг., сыграл важную роль в изменении регламента и объединении ритуалов коронации и помазания. Часто упоминается, что помазание распространялось исключительно на королей, но иллюминированный манускрипт, хранящийся в Лондонской библиотеке, посвященный Ordo из 38 иллюстраций, изображает коронацию Жанны Бурбон. В манускрипте Жана Голена Rationale divinorum officiorum (Трактат о церемонии) содержится иллюстрация помазания груди королевы. При этом подробности, приведенные в трактате, дают основания полагать, что автор присутствовал на церемонии. И если в английских образцах ordo помазание и коронация королевы проводятся с целью легитимизации наследования престола (в том числе по женской линии), то Салический закон франков исключает женщину на престоле. Поэтому король был помазан в пяти местах и божественным елеем (ниспосланным Хлодвигу), а королева – в двух местах и елеем, освященным мужской рукой.
Самой важной частью церемонии являлось помазание короля. Это имело высший сакральный смысл, поскольку ставило короля выше всех светских правителей. Это было необходимо для стабилизации феодальной системы, где первый среди равных в определенный момент становится избранником бога и занимает безусловную высшую ступень в светской иерархии.
Жан Голен писал: «И в этом отношении он самый достойный король и самый благородный, чем кто-либо другой, и выше всех остальных пользуется привилегиями божественного соизволения, ниспосланного с небес».
Помазание королевы трактуется не в контексте ее личности, но как матери будущего короля. Это своего рода ответ на ее молитву о дозволении родить наследника. Важно упомянуть, что на момент церемонии трое детей монаршей пары скончались, и вопрос деторождения стоял очень остро.

Далее следует процедура коронации, наиболее интересная для нас с точки зрения ювелирного искусства.
Есть версия, что корона пришла в Центральную Европу из Скандинавии. При дворе уже распространены венцы, обручи и гирлянды, которые украшают головы придворных. На них также распространяются все мыслимые регламенты и привилегии, как на все видимые украшения. Корона, в отличие от разнообразных головных украшений, подчеркивала исключительный статус носителя. Если кто-то осмеливался надеть украшение, напоминающее корону, он получал наказание, поскольку это было не просто намек на покушение на власть, но нарушение божественной воли в части избранника. Что полностью противоречило средневековой морали. Будто ногу приделали вместо головы и таким образом нарушили гармоничный божественный замысел.
Корон у короля могло быть несколько; хроники сохранили упоминания до 7-9 корон на все случаи жизни. От церемониальной и роскошной до достаточно простой погребальной. К сожалению, существовала благородная традиция жертвовать свои короны и прочие украшения соборам и монастырям, где они могли сохраниться (что редко), а могли быть переделаны для декора скульптуры, реликвий и прочих нужд; но подавляющее большинство из них постигла переплавка. Сохранились единичные образцы, на основании которых, а также описаний из хроник и учетных документов, строят линии рассуждений о доминирующих признаках. Так, для Капетингов времен аббата Сугерия (Сюжера) важной деталью регалий становится геральдическая лилия - fleur de lis - водяной ирис с берегов реки Ли. Этот цветок дает прямую отсылку к легенде о Хлодвиге (из династии Меровингов, 481-511 гг.), которому в момент тяжелого сражения с аллеманами, в ответ на молитву, ангел вручил лилию, велев сделать ее своим оружием. Так цветок обрел свое место в декоре короны.
Подобные же короны можно встретить и на скульптурах Девы Марии, что логично, поскольку лилия - ее цветок.
Мотив лилии или трилистника не уникален для Франции; мы видим его и на короне Оттона I, германского императора. Капетинги больше знамениты именно легендированием этого мотива для себя, четкостью и устойчивостью формы символа и строгостью соблюдения этой привилегии при своем дворе.

Корона с перекрестиями или шапочкой внутри, увенчанная крестом или шаром с крестом, призванными показать связь с церковью, появится во Франции, по разным источникам, в XIV-XV вв. Такую корону мы можем видеть на статуэтке Карла Великого, венчающей скипетр Карла V (XIV века, коллекция Лувра).
В Больших французских хрониках есть иллюстрация, на которой изображена сцена встречи Карла Люксембургского с королевой Жанной Бурбон. Его корона несколько отличается от корон французской четы, и, очевидно, прототипом изображения была императорская корона Западной Германии 2-ой половины X в. (крест был добавлен в начале XI века, а арка – при Конраде II, правление 1024-1039 гг.).

Женские короны были несколько меньше и несколько проще мужских. Они не сохранились до наших дней, но мы можем примерно оценить разницу, исходя из миниатюр в манускриптах, и закрепить результат на сохранившихся надгробиях и скульптурах интересующего нас периода.

Готический период стал временем значительной трансформации ювелирного искусства Западной Европы, когда традиционные техники византийского и романского периодов обрели новое воплощение и смысл. Как показало исследование, развитие ювелирного дела в XII-XV веках характеризовалось несколькими ключевыми тенденциями: совершенствованием технических приемов обработки металлов, расширением ассортимента используемых материалов и формированием характерного стилистического языка. Особого внимания заслуживает распространение техники волочения проволоки, позволившей создавать сложные филигранные конструкции, а также развитие эмальерного искусства, достигшего своего расцвета в лиможских мастерских. Анализ сохранившихся артефактов демонстрирует, как менялось отношение к драгоценным камням - от их чисто символического значения в ранний период до осознания самостоятельной эстетической ценности в позднеготическую эпоху.
Социальный аспект ювелирного искусства готики представляется не менее значимым, чем технический. Регламентация производства через гильдейские уставы, строгая иерархия материалов и форм в соответствии со статусом владельца, а также сложная система символических значений - все это отражало структуру средневекового общества. Примечательно, что именно в готический период ювелирные изделия окончательно приобрели функцию инвестиционного объекта, о чем свидетельствуют многочисленные архивные документы о залоговых операциях и посмертных описях имущества.
Особый вклад готики в развитие европейского ювелирного искусства проявляется в институционализации и систематизации многих существовавших ранее практик. Хотя основы пробирного контроля действительно были известны еще в античности и развивались на Ближнем Востоке, именно в готический период во Франции и Англии (начиная с парижского "touch" 1268 года) они приобрели форму законодательно закрепленных стандартов. Точно так же, если базовые типы украшений (кольца, серьги, подвески) существовали с древнейших времен, готическая эпоха привнесла их стилистическую и технологическую адаптацию к новым культурным условиям. В области обработки камней, несмотря на то, что традиции огранки восходят к античным и восточным мастерам, именно в готический период в Европе (особенно в Брюгге XIV века) сложились устойчивые местные школы этого ремесла. Технические достижения готических мастеров, такие как новаторские вариации перегородчатой эмали или усовершенствование техники plique-à-jour, представляли собой не столько изобретение принципиально новых методов, сколько их творческое развитие и адаптацию к эстетическим требованиям эпохи. Археологические и письменные источники показывают, что многие технологические решения, получившие распространение в готический период, сохраняли актуальность в последующие столетия, демонстрируя преемственность ювелирных традиций.